Tus películas preferidas

En este hilo comentaremos aquellas películas que más nos hayan gustado.

Amarcord es una película de Federico Fellini. Con la apariencia inicial de la típica película costumbrista italiana, adquiere pronto una dimensión de ironía, farsa y esperpento.

El título del filme quiere decir literalmente "yo me recuerdo" (es decir "me acuerdo de", "recuerdo") en el dialecto de la Romagna, la región italiana de Rimini, ciudad donde nació Fellini.

Comentario

Se nos habla, con inteligencia y mordacidad, del inicio en el sexo en unos adolescentes de un pueblecito italiano y de millones de cosas más. Como es característico en el cine felliniano se critica al fascismo, a la iglesia, a la educación de la época, a los pedantes, a los presumidos, pero siempre en un tono jovial y entretenido. Vemos las obsesiones de Fellini en la pantalla: la poesía, la música, el sexo. Los diálogos están llenos de ironía, juegos de palabras, alusiones diversas.

La fotografía en color de Giuseppe Rotunno es muy cuidada y sigue los toques oníricos que tanto le gustaban al director. Reseñable la música de Nino Rota. Los actores, con Pupella Maggio en el papel de Miranda y Armando Brancia en el de Aurelio, muy destacables. Son, como todos los personajes de Fellini, caricaturas vivas. No se pueden olvidar los personajes de "La Gradisca", coqueta de pueblo que sueña con casarse con un príncipe, o "La Volpina", prostituta ninfómana, o todos y cada uno de los profesores con sus manías y paranoias. El grupo de jóvenes protagonista es retratado con cariño y comprensión...

Escenas memorables

La "nevada" en la ciudad costera.
La aparición nocturna del transatlántico "Rex".
La visita familiar a la casa de campo con el pariente que había salido para la ocasión del manicomio y que acaba con él subido a un árbol y gritando desesperadamente "Voglio una donna!" ("¡Quiero una mujer!").
El abuelo que, perdido en la niebla a lado de su casa, cree haber muerto ("¿Es así la muerte?").
La escena iniciática con la estanquera.
La "Internacional" sonando desde el campanario.
La conmovedora despedida final con la fiesta de boda en la playa y la música del acordeonista ciego.

Brazil, película tragicómica dirigida por Terry Gilliam protagonizada por Jonathan Pryce y con un papel pequeño especial de Robert De Niro. La película obtuvo dos nominaciones a los Oscar, a la mejor dirección artística y al mejor guión original.

Sinopsis

Sam Lowry (Jonathan Pryce) es un tecnócrata eficiente pero soñador con un puesto de tercera categoría dentro de la gigantesca máquina burocrática que mueve (o paraliza) a una distopía opresiva, inhumana, hundida por la ineficiencia y amenazada por el terrorismo.

Un error en un apellido debido a una mosca caída en la cabeza de un teletipo provoca la detención errónea de un inocente, de consecuencias fatales para éste. Como oficialmente no existen errores en el sistema burocrático, nadie quiere hacerse cargo del papeleo excepto el bienintencionado Lowry. Durante su visita a la familia del fallecido tiene un encuentro casual con su vecina, a la que reconoce como la mujer de sus sueños. Sin embargo ésta huye.

Este descubrimiento hace que, para poder obtener información sobre ella, Sam se someta a los deseos de su madre, una narcisista recalcitrante y muy bien relacionada obsesionada con darle una carrera a su hijo. Así, Lowry comienza su escalada a las altas esferas a pesar de su naturaleza escrupulosa y poco ambiciosa.

Sin embargo, tanto su implicación en el error burocrático del principio, como su obsesión por la mujer así como sus contactos con un fontanero clandestino (!) complican la vida a Lowry hasta el punto de que pasa a ser considerado una amenaza para el sistema. Mientras, a pesar de muchas dificultades, es capaz de conseguir el amor de su chica soñada.

Finalmente, el Sistema, implacable, se hace cargo de Sam Lowry y le destruye mediante la tortura. Pero Lowry obtiene refugio en la locura.

Curiosidades

La distopía en la que se desarrolla la acción está situada "en algún lugar del siglo XX" (Somewhere in the 20th Century) y la imaginería visual mezcla elementos de muchas décadas de dicho siglo, lo que contribuye a crear una atmósfera irreal. Por ejemplo: los ordenadores están construídos a partir de una máquina de escribir, un pequeño tubo de rayos catódicos y una lente de Fresnel.

Todos los nombres de los lugares son irónicamente idílicos. Así, el protagonista vive en unos enormes bloques grises (pertenecientes en realidad a una ciudad francesa) llamados "bloque Flor de Azahar, avenida Verdes Pastos", mientras que Buttle vive en las torres "Shangri-la".

La omnipresente burocracia consume el 26% del PIB, según se asegura en el noticiario que podemos ver al principio de la película. La manera más eficaz de alejar a un fontanero estatal es solicitarle un impreso 27B/6.
La película está salpicada de detalles en segundo y tercer plano:

Un ejemplo: cuando a Sam Lowry le comentan en una fiesta que determinada chica las tiene "más grandes y de punta", le aclaran posteriormente que la observación se refiere a sus orejas. Poco después, en otra escena, podemos ver como la chica, en segundo plano, se deja examinar las orejas por otro personaje.

Otro ejemplo: Cuando el protagonista va a visitar a la familia del señor Buttle, podemos ver un cartel con una oferta de vacaciones que reza: "Lujo sin miedo. Diversión sin sospecha. Relájese en un ambiente libre de pánico." (Luxury without Fear. Fun without suspiction. Relax in a Panic-Free Environment).

El "regalo para ejecutivos" que aparece varias veces a lo largo de la película no existe en los comercios y fue creado especialmente para la película.
La escena del tiroteo en el vestíbulo del ministerio de "Obtención de Información" es un homenaje a El Acorazado Potemkin.

Influencias

El director, Terry Gilliam se refirió a esta película como la segunda de una trilogía formada por Los héroes del tiempo (en Argentina se tituló Los bandidos del tiempo) (1981) y Las aventuras del Barón Munchausen (1989). Las tres películas mantienen como tema común la lucha por la imaginación y la libertad de pensamiento en un mundo que se opone a dichas ideas.

Esta película contiene numerosos temas complejos y sutiles aderezados con una mezcla de humor cruel e ideas que dificultan un seguimiento lineal de la trama pero que contribuyen a crear un film rico que puede ser visto en varias ocasiones. La película posee una importante riqueza visual presentando una visión inusual del futuro y con imágenes oníricas que admiten diferentes interpretaciones.

También contiene numerosas referencias a la serie de televisión británica de los años sesenta The prisoner y a las novelas 1984 de George Orwell y El proceso de Kafka.

En su estreno la película tuvo importantes dificultades en taquilla. Sin embargo permanece como una película de culto entre los fans de Gilliam. La edición en VHS de la película es una versión más corta de 131 minutos con final feliz. La edición en DVD es la misma que la película original.

El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo. Es cierto que aún se pueden rastrear ocasionalmente huellas del cine primitivo que desaparecen en films posteriores.

Es famosa la escena del asesinato de Lincoln, estudiada en numerosos manuales de cine del que el más famoso es análisis del director Karel Reisz (La mujer del teniente francés -The French Lieutenant's Woman, 1981-). Como curiosidad el actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh (1887-1980) uno de los grandes directores de cine de toda la historia.

La película fue acusada de racismo, pues en el desenlace unas mujeres, secuestradas por un hombre de raza negra, eran salvadas in extremis por el Ku Klux Klan.

Annie Hall es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen, por la que ganó el Oscar al mejor director en 1977. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen. Con un guión que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años, el cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada Blancanieves y los siete enanitos de Walt Disney.

Sinopsis

La cinta es un relato sobre un comediante neurótico neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica como él. Comienza con su primer encuentro y nos cuenta la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se dice que la historia es el rompimiento real entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real.

Comentarios

La película ganó cuatro Oscar, a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz principal (Keaton), y al mejor guión original, y obtuvo una nominación al mejor actor principal (Allen), premios que el cineasta no fue a recoger, ya que ni siquiera se presentó en la ceremonia (cosa que repitió todos los años, hasta el 2003 cuando pisó por primera vez la alfombra roja de este evento), aquella vez dijo que se le había olvidado, ese día se quedó tocando el clarinete.

Destacan también las actuaciones de Paul Simon (músico, integrante del dueto vocal folk Simon & Garfunkel) y un joven Christopher Walken, quien un año después ganaría el Oscar por su papel en El cazador de Michael Cimino.

Annie Hall es una cinta emblemática. Años después, Rob Reiner la homenajeó abiertamente en su película Cuando Harry encontró a Sally... Antes de adquirir el título por el que es conocida, Annie Hall llegó a llamarse Anhedonia (incapacidad de disfrutar la vida, es una enfermedad psicológica, la productora no permitió que se le colocase un nombre tan poco atractivo) o Una montaña rusa llamada deseo, referencia doble a la montaña rusa que aparece en la película y a la obra de Tennessee Williams (Un tranvía llamado deseo).

Ciudadano Kane es una película dirigida y protagonizada por el estadounidense Orson Welles, considerada como una de las obras maestras de la historia del cine.

La película ganó un Oscar al mejor guión original, y estuvo entre las candidatas en otras ocho categorías: película, director, actor principal (Orson Welles), dirección artística, fotografía, música, sonido y montaje. Paradójicamente, ese único oscar (que también sería el único conseguido por Welles en toda su carrera, a excepción del honorífico de 1970) fue otorgado en una categoría, el guión, en cuya realización la participación del cineasta estadounidense ha sido puesta en duda.

El filme sin duda marca un antes y un después en la historia del cine. Técnicamente no inventó nada, pero sí usó todos los recursos existentes hasta ese entonces de manera magistral: uso de la profundidad de campo (seguramente influido por el realismo poético de franceses como Jean Renoir), fotografías en claroscuro y juegos de iluminación (herencia del expresionismo alemán de principios del siglo) escenografías techadas (nada común para la época) y notable uso de los movimientos de cámara y uso de grúas, como dollys y travellings. Pero también añadió algo absolutamente nuevo: la mirada personal del autor: el director como un narrador omnisciente que quiere contar la historia a su manera, valiéndose para ello de herramientas como el picado y el contrapicado. De esta forma, por ejemplo, es capaz de mostrar a Charles Foster Kane (inspirado en el magnate de las comunicaciones William Randolph Hearst) como un hombre lleno de poder. También desarmó la cronología de la mayoría de las historias que eran proyectadas en la pantalla grande, empezando la narración desde el final.

Argumento

El magnate de la prensa Charles Foster Kane (Orson Welles) fallece, acompañado solamente por sirvientes, en su gran mansión pronunciando una única palabra: "Rosebud". Con la intención de averiguar su significado un periodista comienza una investigación con las personas que vivieron y trabajaron con Kane. Las entrevistas se suceden y con cada persona afloran vivencias y recuerdos que ayudan a modelar la compleja imagen del fallecido millonario, pero, que no aportan datos sobre la misteriosa palabra. Solo el espectador conocerá su origen y significado que engloba temas como el anhelo de las cosas perdidas y los valores realmente importantes.

Dulce pájaro de juventud es una película basada en la obra teatral homónima de Tennessee Williams.

Argumento

Chance Wayne (Paul Newman) es un hombre joven que vuelve a su población natal después de una larga ausencia, en la que ha intentado sin éxito convertirse en actor de cine. Durante el camino ha conocido a Alexandra del Lago (Geraldine Page), una actriz ya mayor, con la que inicia una relación, esperando que ella le ayude a conseguir un papel en una película. Se alojan en el hotel de la ciudad y Wayne, mientras sigue con Alexandra, va en busca de su antigua novia Heavenly (Shirley Knight). Heavenly es la hija del principal político de la población, que en su día le obligó a marcharse preocupado por las relaciones entre él y su hija.

El baile de los malditos se basa en la novela homónima de Irwin Shaw. La adaptación cinematográfica logró reproducir fielmente el espíritu antibelicista de la novela.

La película se rodó entre junio y octubre de 1957.

Argumento

Las vivencias contrapuestas de dos militares de honor, uno americano y otro alemán, cada uno desde su bando, durante la Segunda Guerra Mundial. A estos dos contrapuntos se une un tercer hombre, un judío perseguido simplemente por su fe. El oficial americano y el judío acabarán por cruzar sus destinos en el campo de concentración que dirige el oficial alemán.

Lo que el viento se llevó es una de las películas más famosas en la historia del Cine. Basada en la novela del mismo título, de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer), su rodaje, que duró 140 días, supuso cambios importantes en la técnica cinematográfica. En el momento de su estreno fue la película más cara y larga que se había rodado.

Argumento

Mediados del siglo XIX. Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), una bella joven caprichosa y pasional, vive en una de las grandes mansiones del sur de los Estados Unidos rodeada de esclavos negros y todo tipo de lujos. Lo único que no puede conseguir es a Ashley Wilkes (Leslie Howard), el hombre del que está enamorada y que, a su vez, está comprometido en matrimonio con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una dulce y cariñosa mujer incapaz de odiar.

La Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes sureños muestran su entusiasmo por entrar en combate. No así Rhett Butler (Clark Gable), un hombre atractivo que no tiene más interés que su propio beneficio. Butler se enamora de Escarlata durante una fiesta en "los 12 Robles", la finca de Ashley, y no cesará en su empeño de lograr su amor durante toda la película, a pesar de que Escarlata seguirá obsesionada con Ashley a pesar del paso de los años y de varios matrimonios por interés.

El espectador asiste a la evolución vital de la protagonista, desde su adolescencia hasta su madurez, y a su lucha constante por sobrevivir y conseguir todo lo que se propone. Un personaje lleno de fuerza, ambición, autoestima e incapacidad de sentir miedo que cautiva e imprime ánimos en todo aquel que se acerca a ella.

Personajes

• Scarlett O'Hara: es una bella joven acomodada y caprichosa del sur. Sabe muy bien que es la más admirada del condado y sabe manejar a los hombres a su antojo. Está enamorada de Ashley Wilkes y hará todo lo que esté en su mano para conseguir el amor de él. El mundo alegre y despreocupado de fiestas, bailes y barbacoas en el que vive desaparecerá sin remedio al entrar la Guerra de Secesión y Scarlett deberá sobrevivir y sacar adelante su familia y la plantación.

• Rhett Butler: hombre mujeriego, resuelto e inteligente es el único que ve los problemas reales que desencadenaría una guerra civil en el país. Su reputación no es precisamente muy buena entre sus compatriotas. Está enamorado de Scarlett y piensa que ambos son muy parecidos, unas personas que solo piensan en sí mismas. Tratará de quitar a Ashley de la cabeza de Scarlett demostrándole en muchas ocasiones el aprecio que siente por ella.

• Ashley Wilkes: es un hombre sencillo, afable y de buen carácter que siente cierta atracción por Scarlett, esa jovencita encantadora que todos admiran y cortejan. Sabe que la mejor opción es casarse con su prima Melanie Hamilton aunque esta no tenga el encanto ni el carácter jovial de Scarlett, pero es una buena mujer que le adora y eso es suficiente.

• Melania Hamilton: es la prometida de Ashley y más tarde su esposa. Es lo más parecido que tiene Scarlett a una amiga aunque Melanie no sepa que ella no la soporta por estar casada con el hombre que ama. Melanie ve siempre el lado bueno de las personas y piensa que Scarlett no es tan frívola ni indeseable como mucho piensan.

• Gerald O'Hara: padre de Scarlett, de origen irlandés será el que inculque en su hija el amor la tierra, por su plantación "Tara". Está casado con Ellen O'Hara, una mujer proveniente de una acomodada familia estadounidense. Aparte de Scarlett tiene dos hijas más: Suellen y Carreen O'Hara.